Tiempo como materia. Colección MACBA. Nuevas incorporaciones

Archivo - 2009

lunes, 18 de mayo de 2009

Unas 320 obras de 80 artistas, 250 de ellas inéditas en el contexto de la Colección, conforman la gran exposición que el Museo dedica a las nuevas incorporaciones a partir de piezas de Constant, Matt Mullican, Lawrence Weiner, David Lamelas, Palle Nielsen, Rita McBride, Dan Graham, Judith Barry, Ignasi Aballí y Sanja Iveković, entre otros.
La Capella MACBA presenta un extenso programa de cine, performances y conferencias; el Museo amplía el horario y adelanta las Noches de MACBA al 15 de mayo, y el Centro de Estudios y Documentación MACBA se sumará en julio a la presentación con una selección de carteles, revistas y otros formatos impresos situados en los márgenes del arte.

El tiempo, ¿inerte o dinámico? David Lamelas desplegó en 1967, en la sala oscura de una galería, una batería de televisores con una única distinción: no transmitían imagen alguna. «Sólo se podía ver el efecto de nieve y oír un sonido estático», recordó en una entrevista en 1972. Con Situación de tiempo, el artista argentino quiso explorar los límites de la temporalidad en el arte. La instalación es ahora una de las obras que reúne el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) con motivo de la exposición Tiempo como materia. Colección MACBA. Nuevas incorporaciones, dedicada a mostrar el conjunto de obras adquiridas, donadas o depositadas en los últimos años. La elección no es baladí. El factor tiempo juega un papel crucial en esta muestra, que reúne unas 320 obras, 250 de ellas inéditas en el contexto de la Colección, de 80 destacados artistas, distribuidas en las tres plantas del museo, y que abarca los últimos cincuenta años de la historia del arte. Son instalaciones, pinturas, esculturas, fotografías, collages, maquetas, libros…, que apelan al factor temporal como un material más de la producción artística y que dotan al espectador de un papel determinante para interpretar los múltiples itinerarios que plantea esta exposición. Entre las obras destacan trabajos de Antoni Tàpies, Franz Kline, Robert Motherwell, Gego, Pablo Palazuelo, Constant Nieuwenhuys, Hans Haacke, Soledad Sevilla, Matt Mullican, Palle Nielsen, Richard Hamilton, Lawrence Weiner, León Ferrari, Tere Recarens, Gil J. Wolman, Joan Rabascall, Jaume Xifra, Benet Rossell, Joan Jonas, Judith Barry, Dan Graham, Ignasi Aballí, Katalin Ladik, Sanja Iveković, Muntadas, Deimantas Narkevicius, Francesc Torres, Nancy Spero y Rita McBride, por citar algunos nombres.

David Lamelas. Situación de tiempo. 1967. Instalación audiovisual. Colección MACBA. Consorci Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Foto de Bob Goedewaagen © David Lamelas, 2009

La Colección MACBA no se exhibía de forma tan amplia desde 2007. Ahora, el museo presenta las adquisiciones para los fondos de la Colección realizadas desde entonces gracias a las aportaciones, en primer lugar, de la Fundación MACBA y, desde 2008, de la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona. Con motivo de esta gran presentación, la Capella MACBA acogerá de forma paralela El principio de incertidumbre, un extenso programa que a lo largo de cuatro semanas (del 14 de mayo al 12 de junio) ofrecerá de forma gratuita y en sesión continua obras cinematográficas y de vídeo, algunas de ellas pertenecientes a la Colección MACBA, así como performances, debates y conferencias. Para tal fin, el artista Tobias Putrih ha concebido una instalación que, a modo de gradería, convierte la Capella MACBA en un anfiteatro singular con capacidad para unas ochenta personas. Asimismo, el Museo amplía el horario y adelanta las Noches de MACBA al 15 de mayo. El Centro de Estudios y Documentación se sumará el 9 de julio con una exposición de revistas, octavillas, carteles y libros de artista, entre otros materiales impresos de reciente incorporación, que ilustrarán las prácticas realizadas en el terreno fronterizo entre la actividad artística y el activismo social.

Constant. New Babylon (1 de 10). 1963. Tinta impresa sobre papel. 1963. 10 elementos: 40,5 x 76,7 cm c/u. Colección MACBA. Consorci Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Foto de Tony Coll © Constant, 2009

Constant y la última utopía global
1955 es el año de arranque de Tiempo como materia, exposición que ofrece una mirada por la historia del arte de los últimos cincuenta años a partir de diferentes itinerarios que pueden leerse como puntos de inflexión. La fecha de inicio no es casual. Fue precisamente en 1955 cuando el Palau de la Virreina acogió la exposición El arte moderno en los EEUU, en el marco de la III Bienal Hispanoamericana de Arte. Eran tiempos en que el régimen franquista luchaba por salir del aislamiento y abrirse al panorama internacional con la instrumentalización del arte de vanguardia. La presencia de obras de Robert Motherwell, Morris Louis y Franz Kline, entre otros representantes del expresionismo abstracto americano, contribuyó a la consolidación del informalismo catalán y español de la mano de una serie de artistas considerados «anómalos» hasta entonces por las autoridades de la época. Esta primera sala de la exposición que ahora presenta el MACBA rememora el espíritu de aquella década en que la abstracción ganó su pulso a la figuración con lienzos de Franz Kline, Morris Louis, Robert Motherwell y Clyfford Still (pertenecientes a la Colección Onnasch), así como obras de Antoni Tàpies, Antonio Saura, Manuel Millares, Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, entre otros.

El artista Constant Nieuwenhuys representa uno de los puntos de inflexión de la exposición. «¿Qué es realmente la Nueva Babilonia? ¿Es una utopía social? ¿Un diseño arquitectónico urbano? ¿Una visión artística? ¿Una revolución cultural? ¿Una conquista tecnológica? ¿Una solución a los problemas prácticos de la era industrial?», se preguntó el artista holandés en 1966. A través de una serie de maquetas, dibujos, mapas topológicos y otros documentos, la exposición da cuenta de lo que supuso la última utopía global del siglo pasado, en la que trabajó el artista a lo largo de treinta años. Junto a los miembros del Letrismo y la Internacional Situacionista, representados más adelante en la exposición por Isidore Isou y Gil J. Wolman (del que se muestran dos ejemplos de su original Art scotch realizados con cinta adhesiva), Constant experimentó con materiales nuevos, como los plásticos, y propuso una revolución contra la banalidad del urbanismo moderno, el consumo desenfrenado y la ausencia de pasión en la abundancia de objetos y de información que marcaría a un sinfín de artistas posteriores, como demuestra la exposición.

Richard Hamilton. Cartel de la exposición Richard Hamilton en el Musée des Beaux-Arts Chambrey. 1977. Impresión offset sobre papel 59,5 x 42 cm. Colección MACBA. Fundació Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Dipòsit Família Bombelli. Foto de Tony Coll. © Richard Hamilton, VEGAP, Barcelona, 2009

Pocos años después, Richard Hamilton acuñó junto a Lawrence Alloway el término pop art, que compartió con el espíritu de la revuelta situacionista el rechazo a la anestesia que el exceso provoca en el individuo, los convencionalismos y la reducción de las ideas al mínimo común denominador, así como cierto humor ácido. Hamilton tuvo cierta vinculación con nuestro país, pues realizó varias estancias en Cadaqués atraído por la figura de Marcel Duchamp, que veraneaba en este pueblo de Girona. Precisamente, Hamilton es esencial para entender el desarrollo de la Galería Cadaqués, reducto microscópico de las vanguardias de los años sesenta y setenta. Una de las salas de la exposición reproduce este espíritu a través de una serie de obras del propio Hamilton donadas por la familia Bombelli, algunas de ellas realizadas en colaboración con Dieter Roth, Marcel Duchamp o John Cage. De aquella época se muestran también obras de artistas catalanes que recibieron el influjo de Hamilton y el pop art, como es el caso de Joan Rabascall, Miralda, Jaume Xifra y Benet Rossell. También se muestran piezas de Pere Noguera.

El territorio de la especulación
Dos décadas después de Constant, para Hans Haacke la ciudad ya no es el escenario de una nueva sociedad sino el territorio de la especulación. La exposición presenta por primera vez en España una de las obras más destacadas en la producción de Haacke: Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social System, as of May 1, 1971. Esta pieza, adquirida por la Fundación MACBA y The Whitney Museum of American Art de Nueva York, denuncia las grandes operaciones de especulación inmobiliaria por medio de las transacciones fraudulentas de la empresa Shapolsky et al., materializadas a través de 142 fotografías de edificios y hojas mecanografiadas con datos sobre la propiedad como la dirección, el tipo de edificio, el tamaño del solar, la fecha de adquisición, el dueño y el valor catastral. Junto a esta obra se muestra otra coetánea, City Slivers (1971-1976), en la que Gordon Matta-Clark proporciona un ejemplo extraordinariamente lúcido y amargo sobre el devenir de la ciudad.

Francesc Abad. El camp de la Bota. 2004. Instalación. Dimensiones variables. Colección MACBA.Consorci Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Donació de l'artista. Foto de Joan Roca de Viñals. © Francesc Abad, VEGAP, Barcelona, 2009

«Todo arte proviene de la ira», afirmó Lawrence Weiner. Hacia 1960 empezó a experimentar con nuevos materiales y estructuras de presentación, haciendo explosionar, por ejemplo, cargas de dinamita en un parque de California y construyendo así esculturas por sustracción. Pronto se dio cuenta de que la formulación lingüística de la acción podía sustituir el hecho mismo de la acción. Así, el artista norteamericano dio un giro copernicano en 1966 al declarar que el arte se sustenta en la experiencia y la creencia: el receptor de la obra es quien la acaba de hacer. La estética ya no es una cualidad de las cosas sino una condición de nuestro comportamiento como individuos. La exposición da cuenta de algunas de sus acciones a través de libros, acrílicos y otras piezas. Sobre una de las paredes del atrio del museo se exhibe Some Objects of Desire (2004), una obra emblemática de su producción que, en forma de ecuación matemática, subraya la relación que los humanos mantenemos con los objetos y las cosas.

La exposición también reúne una serie de lienzos abstractos de artistas que en los años setenta rechazaron los principios de la expresividad para recurrir a las matemáticas y el cálculo, y recuperar los elementos fundamentales de la geometría. Se exponen, por ejemplo, varias obras de Pablo Palazuelo, así como de Soledad Sevilla, Joaquim Chancho y Pic Adrian. Al otro lado del Atlántico, Gego vuelve a hacer orgánica esa geometría a través del uso de la línea y la cruz. El recorrido por la planta 0 del MACBA, que sigue un trazado cronológico, a diferencia de las plantas 1 y 2, finaliza con una selección de obras de Tino Calabuig, F. Escalda, Manolo Quejido y Luis Gordillo, así como cómics de Reimundo Patiño.

Judith Barry. In the shadow of the city...vamp r y. 1985. Doble proyección multimedia. Dimensiones variables. Colección MACBA. Consorci Museu d'Art Contemporani de Barcelona. © Judith Barry, 2009

El factor temporal
Situación de tiempo (1967), la obra de David Lamelas que inspira el título de esta exposición y que representa otro de los puntos de inflexión por los múltiples itinerarios posibles de la Colección MACBA, se muestra en la planta 1. Si bien tradicionalmente el factor temporal era una condición de la experiencia, a partir de los años sesenta se convierte en un material más para la producción artística. De esta forma, las piezas que se exponen a continuación ya no son inertes, sino que contienen su propia duración.

La primera sala de esta planta está dedicada a un conjunto de obras que apelan a la memoria, la censura y la represión a partir del recuerdo de conflictos bélicos recientes. Es el caso de Nosotros no sabíamos, de León Ferrari, que reúne recortes de periódicos sobre la represión y la violencia de la dictadura militar argentina y que invalida la frase que muchos ciudadanos repetían para justificar su falso desconocimiento de los atroces asesinatos perpetrados por la junta militar que gobernó el país entre 1976 y 1983; la instalación El camp de la Bota (2004), de Francesc Abad, donada por el propio artista y que supone un trabajo colectivo de restitución de la memoria de los fusilados en el Camp de la Bota en tiempos de la guerra civil española; y Construction of the Matrix (1976), de Francesc Torres, que explora el papel de la ideología en la construcción de la historia.

Otro conjunto de obras denuncia la manipulación de los medios de comunicación de la mano de Muntadas, KP Brehmer y Joan Rabascall. También se indaga en la construcción de los estereotipos femeninos a través de obras de Martha Rosler, Eugènia Balcells y Eulàlia Grau, entre otras. Precisamente, de Sanja Iveković se muestra parte de la serie Double Life, realizada a partir de fotomontajes de imágenes que hacen referencia a diferentes periodos vitales entre 1943 y 1975 de la propia artista, así como obras realizadas a partir de anuncios de revistas femeninas en que aparecen mujeres arquetípicas. El recorrido reúne una serie de heliograbados realizados por León Ferrari en los años ochenta que se exhibieron en la Documenta de Kassel de 2007 y que el artista ha donado al MACBA, así como fotografías de Philippe Thomas, que optó por el anonimato ocultándose tras el nombre de la agencia Les ready-made appartiennent à tout le monde®, donadas por su familia al MACBA.

León Ferrari. Nunca más. 1995 (2008). Colección MACBA. Consorci Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Donació de l’artista. © León Ferrari, 2009

La planta 1 también reúne obras de temática diversa de Michel François, Santiago Cirugeda, Armando Andrade Tudela y Carlos Bunga, así como trabajos que parten de la experiencia literaria, como es el caso de las obras de Marine Hugonnier, Falke Pisano, Marcel Broodthaers, Nancy Spero y Joan Brossa. Destacan una serie de collages sobre papel elaborados por Katalin Ladik a partir de recortes de periódicos y revistas de mujeres, patrones de costura y sellos de postales donde predominan los temas tradicionalmente femeninos y que, a modo de partitura, la artista utilizaba en sus performances de poesía sonora.

La última sala está dedicada a In the shadow of the city… vamp r y (1985), de Judith Barry, cuyo título metafórico alude al mito del vampiro y su deseo insaciable, en este caso, de imágenes. Numerosas diapositivas y películas de súper 8 se alternan y son proyectadas a ambos lados de una única pantalla, mientras el espectador trata en vano de hilvanar una posible narración y se mueve de un lado al otro buscando una inexistente explicación. Finalmente, la torre acoge la instalación Lines in the Sand (2002), de Joan Jonas, basada en el poema épico Helena en Egipto (1951-1955), donde la escritora Hilda Doolittle (H.D.), poeta y paciente de Sigmund Freud antes de la Segunda Guerra Mundial, revisa el mito de Helena de Troya. Mediante la yuxtaposición de imágenes, textos y gestos, Jonas pone en entredicho la historia oficial.

El juego, el placer, el cine y el teatro
La planta 2 ofrece dos itinerarios posibles: la idea del juego y el placer como contramodelo de la educación oficial, derivada de la obra de Constant, y la tensión entre cine y teatro. El primer recorrido está punteado por una serie de instalaciones y otros trabajos cruciales del arte de nuestros tiempos. Es el caso del M.I.T. Project (1990-2009), de Matt Mullican, que ocupa la totalidad de una sala y cuyas formas tridimensionales permiten al espectador desplazarse en el interior de cinco compartimentos interconectados que recogen la particular cosmología del artista a partir de diferentes ideogramas y que están señalados por diferentes colores: verde para el ámbito de lo material, azul para la cotidianidad, amarillo para las artes y la ciencia, negro para el lenguaje y rojo para el lado subjetivo de la vida.

Joan Jonas. Lines in the Sand. 2002. Instalación. Dimensiones variables. Collecció MACBA. Fons de l'Ajuntament de Barcelona. Foto de Werner Maschmann. © Joan Jonas, 2009

Asimismo, se muestra todo el proceso de documentación de The Model. A Model for Qualitative Society, llevado a cabo por Palle Nielsen y donado ahora por el artista, quien en 1968 convenció al director del Moderna Museet de Estocolmo para que le dejara construir un parque infantil en el interior del museo. The Model reunía una piscina de gomaespuma, columpios, juegos de agua y cuerdas para escalar, y atrajo a 35.000 visitantes, 20.000 de ellos, niños y niñas. La propuesta desafió el dogma de la contracultura según el cual el espacio institucional per se genera conformidad y preserva el status quo.

An Architecture of Play (1966) reúne fotografías de parques de aventura de Londres realizadas por el arquitecto británico Nils Norman en el interior de una estructura inventada por él mismo que recrea un prototipo de atracción infantil de la época, prohibida con el paso de los años por contravenir las normas de seguridad. De forma paralela, 271 imágenes de la serie Playgrounds (1995-2004), de Peter Friedl, se proyectan de forma continua sobre las paredes. Las imágenes conforman un inventario de las áreas de juego que Friedl ha documentado en sus viajes a diferentes ciudades del mundo y están tomadas a la altura de los ojos de los niños, como si el artista quisiera reflejar el campo de mirada de los más pequeños. Obras de Öyvind Fahlström, Joseph Beuys y Robert Filliou completan esta sección dedicada al juego.

Katalin Ladik. The Yellow Bolero. 1978. Collage sobre paper. 24 x 34 cm. Colección MACBA. Consorci Museu d'Art Contemporani de Barcelona. © Katalin Ladik, 2009

Por último, se escenifican las tensiones generadas entre el teatro y el cine a partir de nueve obras de nueve artistas, entre las que se encuentra otra pieza de Lamelas, Film Script (La manipulación del mensaje), de 1972, una película sin sonido junto a tres proyecciones de diapositivas. En Desaparicions II (2005), Ignasi Aballí parafrasea el título de la novela más famosa del escritor y cineasta Georges Perec, La disparition, que a lo largo de sus 300 páginas no utiliza nunca la letra e, una de las vocales más frecuentes en francés. A modo de revistero y como si de un libro se tratara, la obra permite al espectador ojear los 24 pósters de otras tantas películas planeadas pero nunca realizadas por Perec. De esta forma, los pósters reflejan la ausencia de los filmes, su desaparición.

Tere Recarens. Glory. 2007. Bufandes de llana 300 x 140 cm. Colección MACBA. Fundació Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Colección Fundación Repsol. © Tere Recarens, VEGAP, Barcelona, 2009

Manon de Boer se inspira en Attica (2008) en el motín que tuvo lugar en la prisión estatal de Attica (Nueva York) en 1971, cuando los reclusos exigieron «ser tratados como seres humanos» y la represión por parte de las fuerzas policiales se saldó con 43 muertos. También se muestra una serie de pósters cinematográficos de Jean-Luc Godard. De Asier Mendizabal se presenta Cinema (1999), que pone de relieve a partir de un texto del Groupe Medvedkine el potencial de emancipación del cine dentro del contexto de la lucha de clases, desde los experimentos de la vanguardia rusa hasta los movimientos obreros y estudiantiles de Mayo del 68.

Deimantas Narkevicius, que explora las estructuras narrativas a través del cine y el vídeo, filma en The Role of a Lifetime (2003) una entrevista imaginaria con Peter Watkins, padre del documental de ficción, quien en 1965 inventó una película sobre la guerra nuclear, The War Game, que la BBC censuró. La película de Narkevicius concluye con una apasionada y pesimista réplica de Watkins sobre la necesidad de criticar las estructuras de poder inscritas en la manera en que los medios retratan la política y la historia. Cierran la exposición de los fondos de la Colección MACBA dos de las instalaciones más destacadas de la muestra. Por un lado, Arena (1997), de Rita McBride, que se presenta por primera vez en España. Se trata de una obra con una intensa dimensión teatral que transforma la naturaleza del espacio expositivo. En último lugar, de Dan Graham se proyectan una serie de obras que, más allá del ojo y de la mirada, enfatizan el papel crucial del cuerpo y la relación entre performance y percepción.

Capella MACBA: «El principio de incertidumbre»
Con motivo de la exposición, la Capella MACBA acogerá a lo largo de cuatro semanas (del 15 de mayo al 12 de junio), en sesión continua y de forma gratuita, El principio de incertidumbre. Este extenso programa ofrecerá en diferentes horarios y a lo largo de más de nueve horas diarias una serie de actividades con el fin de analizar las múltiples maneras de generar una hipótesis y reflexionar acerca de la creación artística, cultural y científica. Las proyecciones de películas y vídeos de artistas se encadenarán entre las 11 y las 17.30 h. A partir de las 19.30 h, una plataforma de conversaciones entre artistas, performances, cine y radio en abierto analizará diferentes propuestas. El espacio de la Capella MACBA ha sido transformado para la ocasión por el artista Tobias Putrih. Su obra consiste en utilizar y producir arquitecturas efímeras que desarrollan las nociones de actor-espectador heredadas de la modernidad y las vanguardias.

El artista James Lee Byars creó en 1969 la performance The World Question Center. La idea original consistía en situar a cien pensadores, científicos y artistas en una habitación cerrada e invitarlos a formularse entre ellos preguntas que antes se había hecho cada uno a título personal. La versión final del trabajo, realizada por la radiotelevisión belga, era una performance en la que Byars contactaba con todos ellos por teléfono. El punto de arranque de este proyecto parte de una misma idea: la importancia de preservar un espacio para formular preguntas y generar hipótesis. Los títulos de los cuatro capítulos en los que se estructura el programa que ahora presenta la Capella MACBA se han tomado de la obra de Byars, que ha sido recientemente adquirida por la Colección MACBA: ¿En qué estás pensando? (del 14 al 24 de mayo), ¿Es la autoconciencia una opción suficiente? (del 25 al 31 de mayo), ¿Por qué resulta tan difícil cometer errores útiles? (del 1 al 7 de junio) y ¿A qué velocidad viaja una idea? (del 8 al 14 de junio).

Entre las proyecciones hay obras de Adrian Piper, Jurgen Leth, Babette Mangolte, Antoni Padrós, Samuel Beckett y Alan Schneider, John Baldessari, Johan Grimonprez, Susan Hiller, Michael Snow, Bruce Nauman, Dan Graham, Martha Rosler, Robert Filliou, Lizzie Borden, Ernesto Giménez Caballero, Ann Lislegaard, Craig Baldwin, Matt Mullican, Jordan Wolfson, Neil Cummings & Marysia Lewandowska, Chris Marker, Marjolijn Dijkman, Mariana Castillo, Roberto Cuoghi, Susan Philipsz, Olaf Breuning, Luke Fowler, Ulrike Ottinger, Tony Oursler, Raymond Pettibon y Mike Kelley. Las actividades contarán con la participación de Rita McBride, Discoteca Flamingo Star, Matt Mullican, Miguel Noguera, Gabriel Acevedo, Johan Grimonprez, Harun Farocki, Anselm Franke, Dora García, Antonio Acín y Deimantas Narkevicius.

Centro de Estudios y Documentación MACBA: «En los márgenes del arte»
En el contexto de Tiempo como materia. Colección MACBA. Nuevas incorporaciones, el Centro de Estudios y Documentación MACBA inaugurará el 9 de julio la exposición En los márgenes del arte, que reunirá materiales procedentes de sus fondos bajo el comisariado de Guy Schraenen. La muestra ofrecerá una amplia panorámica de las diversas formas en que los artistas de la segunda mitad del siglo XX han puesto su capacidad creativa al servicio de la reivindicación política. El material seleccionado incluye revistas, libros, carteles, octavillas, postales y otros formatos impresos, ubicables en algún punto intermedio del amplio espectro que abarca del arte más puro a la declaración política más directa. Entre los artistas y colectivos representados en esta exposición figuran Joseph Beuys, Mirtha Dermisache, Antonio Dias, Guerrilla Girls, Alfredo Jaar, Barbara Kruger, Jenny Holzer, Víctor Mira, Miralda, Muntadas, Maurizio Nannucci, Joan Rabascall, Ben Vautier y Edgardo Antonio Vigo, y los colectivos Provo y Art in Ruins, entre otros.

Tiempo como materia
Colección MACBA. Nuevas incorporaciones
Del 15 de mayo al 31 de agosto de 2009
Inauguración: Jueves 14 de mayo, a las 19.30 h
■ Museu D'Art Contemporani de Barcelona (MACBA). Plaça dels Àngels, 1. 08001 Barcelona.
■ Capella MACBA. Carrer dels Àngels, 7.
Actividades: Del 15 de mayo al 12 de junio.
Cuatro programas de proyecciones, de 11 a 17.30 h. Plataforma de actividades, a partir de las 19.30 h
■ Centro de Estudios y Documentación MACBA (delante del edificio principal del museo). Exposición En los márgenes del arte. A partir del 9 de julio
■ Noches de MACBA. Del 15 de mayo al 18 de septiembre, todos los jueves y los viernes de 20 a 24 h.
■ Visitas guiadas diarias (incluidas en el precio de la entrada)
■ Horarios. Lunes y miércoles, de 11 a 19.30 h (a partir del 24 de junio, hasta las 20 h). Jueves y viernes, de 11 a 24 h. Sábados, de 10 a 20 h. Domingos y festivos, de 10 a 15 h