El proyecto “Los tiempos de un lugar” reúne una serie de artistas que exploran a través de sus trabajos nociones de tiempo, temporalidades diversas que comparten el hecho de desarrollarse, en la mayoría de ellos, en un entorno natural.

“Los tiempos de un lugar” se puede entender como la conjugación de un paisaje. Hacer posible la transición en el término “paisaje” de su condición nominal a una condición verbal; permitir que pase de ser un sustantivo a ser un verbo, tal y como sugiere W.J.T. Mitchell.

Las piezas que integran la exposición toman como referencia “paisajes” que finalmente se desarrollan y muestran como “lugares”, entendiendo como “lugar” un concepto mucho más amplio y ambivalente. El lugar deviene asimismo un término más denso, más completo y complejo dado que incorpora el tiempo. Los lugares se convierten en cápsulas de tiempo, en donde los eventos se acumulan, se superponen a modo de estratos, y en donde la mirada activa los posibles pasados de ese lugar. El lugar, a través del tiempo que condensa, dinamiza los posibles significados políticos de un determinado paisaje.

Asimismo, otro de los elementos que comparten los trabajos que integran este proyecto es el hecho de ser piezas todas ellas basadas en medios temporales, de ser obras realizadas en video o en cine. El entorno natural se recupera en los años 60 y 70 como motivo cinematográfico por parte de aquellos artistas que están investigando nuevas sintaxis y posibilidades para el medio, y es asimismo recuperado por artistas contemporáneos. Para todos ellos, el entorno natural, la exploración de lugares, permite la investigación de las capacidades no narrativas de la imagen en movimiento así como profundizar y enfatizar el parámetro temporal de esa imagen. El cine permite dinamizar el paisaje: pasar de una representación estática, tal y como lo ha hecho históricamente pintura y fotografía, para mostrar el entorno natural en movimiento aproximándose, de esa forma, a la percepción subjetiva e individual del paisaje.

La exposición se acompaña de una publicación con textos de la comisaria, Laura Mulvey, Jean-Christophe Royoux, y de los artistas participantes.

Artistas de la Exposición:
Robert Smithson I Stan Brakhage I Chris Welsby I James Benning I Tacita Dean I Patricia Dauder I Darren Almond I Beryl Korot I Melik Ohanian

- Robert Smithson, The Spiral Jetty, 1970.
Película en 16 mm, 32 min © Legado de Robert Smithson, 2008

The Spiral Jetty es una obra que se desarrolla en tres formatos: una intervención en la zona de Great Salt Lake (Utah, Estados Unidos) en 1970, un filme del mismo año –que se presenta en la exposición- y un texto que se publica en 1972 –que se recoge asimismo en la publicación que acompaña el proyecto.

El filme The Spiral Jetty no debe considerarse como una película que documenta la pieza sino como otro trabajo elaborado a posteriori, y que si bien comparte aspectos estructurales con el earthwork su razón de ser estriba en constituirse como otro-lugar. El cine le interesa a Smithson como otro posible lugar, como un lugar paralelo. En la descripción que el artista hace en el texto, del proceso de realización de la película, explicita su voluntad de no explicar, documentar de forma narrativa la construcción sino de plasmar el material que construye la película como un receptáculo, como un contenedor de tiempo, de materiales pasados.

- Stan Brakhage, Creation, 1979.

Creation se convierte en un potente ejercicio visual donde el paisaje de los glaciares de Alaska adquieren el protagonismo en un montaje que imprime un ritmo vertiginoso a la cinta. El hecho que la película no tenga sonido provoca una mayor concentración en el aspecto visual. Paulatinamente las vistas de los trozos de hielo dan paso a vistas de fragmentos de tierra, de árboles, pájaros, e incluso una mujer aparece en pantalla.

- Chris Welsby, Seven Days, 1974

Seven Days (1974) es un claro ejemplo de esta voluntad de plasmación de ese equilibrio entre lo mecánico y lo natural; donde prevalece la representación de un intervalo de tiempo que se manifiesta a través de su condensación y de los cambios que se suceden.

El filme fue realizado en Gales. Se filmó durante siete días consecutivos y ese es el orden en el que aparecen en la película resultante; cada día empieza con la salida del sol y finaliza al atardecer. Cada fotograma fue tomado cada diez segundos a lo largo de las horas de sol del día. La cámara estaba montada en un soporte utilizado habitualmente por los astrónomos para seguir las estrellas; ese soporte está alineado con el eje de la Tierra y rota en torno a su propio eje una vez cada 24 horas aproximadamente. El hecho que el movimiento de rotación de la cámara coincida con el de la Tierra provoca que la cámara siempre está dirigida hacia su propia sombra o hacia el sol. La elección de la imagen (cielo o tierra; sol o sombra) era controlado por la cantidad de nubes que hubiera: si el sol no estaba cubierto por nubes la cámara se giraba hacia su propia sombra, y si estaba cubierto entonces se orientaba hacia el sol.

- James Benning, casting a glance
2007, Película en 16 mm, 80 min © James Benning, 2008

James Benning es un testigo constante de los lugares que visita y revisita. Los filmes de este autor, siempre realizados en 16mm, son retratos de un lugar a lo largo del tiempo. Varios de los lugares de la geografía norteamericana han protagonizados sus filmes durante décadas. Y las películas se conforman por planos fijos de diversa duración y desde diferentes puntos de vista de esos lugares objeto de la grabación.

Uno de los lugares que de forma repetida Benning ha visitado a lo largo de los años es la “Spiral Jetty” de Robert Smithson, y asimismo aparece en diversos de sus filmes, en North on Evers y Deseret por ejemplo. En 2007 finalmente se convirtió en protagonista absoluta de la película casting a glance. La película resultante se realizó a lo largo de dos años 2005-2007, durante los cuales Benning visitó la pieza de Smithson 16 veces. Y como es habitual en sus trabajos sigue un esquema preciso: el retrato cinematográfico que dura 78 min. se divide en 16 secuencias, y cada una de ellas se constituye de entre 4 y 7 planos. Los diferentes planos están separados por un intervalo en negro donde se indican una serie de fechas: en la primera que aparece se puede leer el año y mes en que fue construida, 30 de abril de 1970. En ese primer plano que sigue se puede ver la totalidad de la construcción y en los subsiguientes Benning simula la evolución de la espiral a lo largo de su historia, siendo la ultima fecha que se puede leer 15 de mayo de 2007.

- Tacita Dean, Banewl
1999, Película en 16 mm, 63 min. Cortesía de la artista, Frith Street Gallery, Londres, y Marian Goodman Gallery, Nueva York/Paris © Tacita Dean, 2008.

Tacita Dean trabaja desde el principio de su carrera en diferentes medios, siendo uno de ellos el cine en 16mm.

Banewl (1999) es una de las obras de Dean en las que la intención era capturar un eclipse solar, un evento natural, pero extraordinario, en tiempo real. El objetivo inicial era hacer un filme de 2 horas y 44 minutos que era la duración completa del eclipse, y para ello se filmó utilizando cuatro cámaras para no perder ninguna oportunidad. Sin embargo, la climatología no acompañó: el cielo estaba cubierto de nubes y el eclipse si bien se percibió y se vio parcialmente no se desarrolló como se esperaba.

Banewl es el nombre de la granja donde se filmó la película que finalmente dura 63 min. y muestra mediante un serie de planos los cambios de luz que se sucedieron antes, durante y después del eclipse. La película gira en torno a un evento central, dramático, el eclipse, que no sucede de la forma planeada y provoca justamente una situación de anti-climax.

- Patricia Dauder, Les Maliens (a film)
2007, Película en 16 mm transferida a disco duro, 12 min, 49 seg Cortesía de Projectesd, Barcelona © Patricia Dauder, 2008

En Les Maliens (a film) Patricia Dauder se aproxima y filma un paisaje ajeno, desconocido, o sólo conocido a partir de los media y referencias literarias. A diferencia de la obra de Benning –quien reitera la visita y filmación de un lugar- Dauder es testimonio con su cámara de un lugar por primera vez y extremadamente distinto a su contexto habitual.

En el recorrido, en el viaje que articula la película, Dauder hace patente esa visión del extranjero, del testimonio ocular de una realidad distante; en este sentido es sintomático que el plano que con se inicia la cinta se haya grabado desde detrás de una ventana, haciendo coincidir el marco de la ventana con el “marco” del fotograma, manteniendo una cierta distancia.

El film está conformado por un encadenamiento de planos fijos, largos que resisten cualquier explicación o texto, y que se centran en mostrar un lugar concreto por un espacio de tiempo. La incidencia en el aspecto de viaje, y de visita, la hallamos en uno de los planos más largos del filme, un travelling que se efectúa desde una barca y que muestra el río por el que discurre.

- Darren Almond, A
2002, Vídeo, 22 min Studio Darren Almond © Darren Almond, 2008

Almond realizó A (2002) durante una residencia con Mission Antarctica y el film resultante se divide en tres episodios que se distinguen claramente por el respectivo tratamiento visual y sonoro. Comparten sin embargo la presencia absoluta y total del paisaje, sin anécdotas y sin distracciones posibles. La primera registra el viaje al lugar, la segunda muestra el paisaje del lugar y la agresividad del hielo, y la tercera refleja el posible estado alucinógeno que ese entorno puede provocar tras la inmersión en unos parámetros espaciales y temporales totalmente diferentes.

El sonido que acompaña cada capítulo es singular y definitorio. Se realizó a partir de los sonido grabados in situ de los movimientos del hielo, de la fragmentación de las placas, etc. y su tratamiento posterior con sintetizadores así como la adición de elementos rítmicos y de percusión puede ser desestabilizadora. La obra resultante es el retrato de un paraje de extrema belleza, donde conviven la fragilidad y la agresividad, de un modo que puede ser perturbador.

- Beryl Korot, Dachau 1974, 1974
Videoinstalación, 24 min. Collection of Pamela and Richard Kramlich, San Francisco © Beryl Korot, 2008

La obra realizada en video –en esa época, una nueva tecnología- explora un lugar: la arquitectura del que fue el primer campo de concentración de la Alemania nazi.

Todas las imágenes que conforman la instalación proceden de la grabación que Korot efectuó en el lugar en 1974. Capturó principalmente planos fijos desde posiciones muy concretas: el exterior, diversos interiores, sin evitar filmar los turistas que pudieran haber, pero concentrándose en la arquitectura.Un total de cuatro horas y media de metraje que tras un meticuloso y peculiar -para la época- trabajo de edición resultaron en una instalación compuesta de cuatro monitores sincronizados cuya duración es de 24 min.

La edición rechaza una presentación lineal, una “documentación” del lugar y emplaza al espectador a una lectura más compleja y abstracta de tal sitio. La obra resultante se articula de forma efectiva en base a la repetición como estrategia para activar la memoria, y evitando en todo momento una vinculación emocional.

- Melik Ohanian, Invisible Film
2005, Videoinstalación, 90 min. Cortesía de la galería Chantal Crousel, París, e Yvon Lambert Gallery, Nueva York © Meliá Ohanian – Punishment Park © Peter Watkins 1971

En Invisible Film re-sitúa un tiempo y un lugar pretérito para reactivarlos en el presente de forma efectiva. Ohanian recupera una película de Peter Watkins, Punishment Park, realizada en 1971 y la re-contextualiza en el presente. Punishment Park fue filmada en el desierto de San Bernardino, situado a unos 100km de Los Angeles, en plena guerra del Vietnam y es, en parte, una denuncia de la presunta activación por parte del gobierno de Nixon del Acto de McCarran de 1950, como reacción a las crecientes protestas contra la guerra. Dicha ley autorizaba a las autoridades federales a la detención y proceso –sin previo premiso del Congreso- de personas sospechosas de ser “un riesgo para la seguridad interna”. Punishment Park estuvo prohibida durante 25 años.

La obra de Ohanian parte de una performance: la proyección del filme original de Watkins, en 35mm, en el mismo lugar donde fue filmado, sin pantalla, y al atardecer. A su vez, esa proyección es registrada y constituye una de las partes de la instalación. Dado que no había pantalla, el espectador nunca llega a ver la película de Watkins, tan sólo la escucha, y ve el escenario donde se filmó, donde hacia el final ya casi de noche se vislumbran algunos colores, a modo de espejismo o fantasmas.

Los tiempos de un lugar
23 de enero - 29 de marzo de 2009
Proyecto comisariado por: Neus Miró
CDAN. Centro de Arte y Naturaleza. Fundación Beulas

Horario
Martes a sábado de 11 a 14 y de 17 a 20 h
Domingos y festivos 10 a 14 y de 17 a 20 h
Lunes cerrado
Visitas guiadas gratuitas
sábados 12 y 18 horas
domingos 12 horas
Entrada gratuita
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CDAN Centro de Arte y Naturaleza
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Tel. 974 23 98 93
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