• Siete artistas internacionales: el equipo de colaboración formado por Douglas Gordon y Philippe Parreno, Slater Bradley, Cao Fei, Ryan Trecartin, Mika Rottenberg, Isaac Julien y Mariko Mori, exhiben creaciones en el campo de la videoinstalación.
• Los siete trabajos incluidos en esta presentación evidencian las enormes posibilidades del vídeo como modo de expresión artística

El Museo Guggenheim Bilbao presenta, del 3 de marzo de 2009 hasta marzo de 2010, Instalaciones II: Vídeo de las Colecciones Guggenheim, una nueva muestra de obras de las colecciones Guggenheim que pone de manifiesto la vitalidad del vídeo como forma de expresión artística.

La muestra incluye siete obras en vídeo adquiridas por la Colección Guggenheim en los últimos cinco años, lo que evidencia el compromiso constante del Museo con este dinámico campo del arte contemporáneo.

Douglas Gordon y Philippe Parrero. Zidane: Un retrato del siglo XXI (Zidane: A 21st Century Portrait), 2006. Proyección de video en color de dos canales con sonido, 90 minutos. Una de diecisiete versiónes únicas. Solomon R.Guggenheim Museum, Nueva York. Adquirido con los fondos aportados por los miembros del Comité de Jovenes Coleccionistas, Jacqueline Sackler, Geoffrey Fontaigne, Younghee Kim-Wait, Kipton Cronkite, Celeste Hughey y Dawne Marie Grannum; con los fondos adicionales de Adidas

En la sala 105 se expone la versión para museo de la película cinematográfica creada por los artistas Douglas Gordon y Philippe Parreno, Zidane, un retrato del siglo XXI (Zidane, a 21st Century Portrait, 2006), la obra en tres partes de Slater Bradley Trilogía Doppelgänger (The Doppelganger Trilogy, 2001-2004), así como la videoinstalación Utopia de quién (Whose Utopia, 2006), de la artista china Cao Fei, las instalaciones Masa (Dough, 2006) de Mika Rottenberg y Yo-ser área (I-be area, 2007) de Ryan Trecartin.

La sala 103A del Museo acoge, por un lado, el tríptico en vídeo Paraíso Omeros (Paradise Omeros, 2002) del artista afincado en Londres Isaac Julien; además, esta sala presenta la proyección en vídeo de 360 º Conexión (Link, 1995-2000) de Mariko Mori, una de las artistas internacionales más célebres en el campo de la performance, el vídeo y la instalación.

Slater Bradley. Trilogía Doppelgänger: Archivos Factory (2001-02); Estreno fantasmal (2003); Grabado ayer (2004); [The Doppelganger Trilogy: Factory Archives (2001-02), Phantom Release (2003), Recorded Yesterday (2004)], 2001-04. Tres proyecciones de video en color: con sonido 3 minutes y 34 segundos; con sonido 2 minutos y 50 segundos; sin sonido, 2 minutos y 17 segundos. Edición 1/3. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Adquirido con los fondos aportados por los miembros del Comité Internacional del Director y del Comité Ejecutivo: Ruth Baum, Edythe Broad, Elaine Terner Cooper, Dimitris Daskalopoulos, Harry David, Gail May Engelberg, Shirley Fiterman, Nicki Harris, Dakis Joannou, Rachel Lehmann, Linda Macklowe, Peter Norton, Tonino Perna, Elizabeth Richebourg Rea, Mortimer D.A. Sackler, Simonetta Seragnoli, David Teiger, Ginny Williamns, y Elliot K. Wolk, y miembros patrocinadores: Tiqui Atencio, Linda Fischbach, Beatrice Habermann, Myriam Knutson y Cargill y Donna MacMillan. Vista de instalación Trilogía Doppelgänger de Slater Bradley, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 2005

Estos creadores, destacados exponentes internacionales en este campo del arte contemporáneo, han transformado el espacio del Museo utilizando proyecciones de grandes dimensiones y un sonido envolvente, y añadiendo elementos de atrezzo escultural o de mobiliario escogidos específicamente para sus obras, ofreciendo a los visitantes un entorno sugerente para la experiencia artística.

El vídeo comenzó a ser utilizado en el arte a finales de los años sesenta y, desde entonces, ha desempeñado un papel fundamental para los artistas en sus exploraciones sobe el ser y la sociedad, proporcionándoles una forma de capturar el espacio y el tiempo real cada vez más sofisticada a medida que la tecnología va avanzando. Hoy en día los artistas utilizan el vídeo en exuberantes y complejas instalaciones que transportan al espectador a universos que trascienden las paredes del museo. Con frecuencia, estas obras adoptan convenciones cinemáticas tales como estructuras narrativas o equipos de proyección y de sonido como los de las salas de cine y, al mismo tiempo, van más allá de estas convenciones al emplear, por ejemplo, más de una pantalla en un solo espacio.

El retrato psicológico en Douglas Gordon y Philippe Parreno
En Zidane, un retrato del siglo XXI , 2006, los artistas Douglas Gordon y Philippe Parreno han creado el reflejo cinematográfico de uno de los mejores futbolistas internacionales de todos los tiempos: Zinedine Zidane. La película tiene una duración de 90 minutos, la misma que el partido entre el Real Madrid –antiguo equipo de Zidane – y el Villareal, que tuvo lugar el 23 de abril de 2005 en el Estadio Bernabeu. A diferencia de la habitual retransmisión televisiva de un partido de fútbol, que sigue el movimiento del balón, Gordon y Parreno emplean 17 cámaras sincronizadas distribuidas por todo el estadio para seguir a un solo hombre: Zidane. La obra de arte resultante es un retrato en tiempo real y en constante movimiento que permite al espectador adentrarse en la psicología y la experiencia física de este deportista en plena acción.

Para esta versión museística de la obra, los artistas han combinado la versión original de una sola pantalla, que se proyectó en cines de todo el mundo, con una segunda pantalla, que muestra las imágenes sin editar de una de las 17 cámaras. En determinados momentos las dos pantallas coinciden, ofreciendo un curioso desdoblamiento de la imagen de Zidane, que contribuye a intensificar la complejidad psicológica de su retrato y refleja la forma en que las facciones del héroe deportivo se difunden por la cultura de masas.

Cao Fei. Utopía de quién (Whose Utopia), 2006. Vídeo en color, con sonido, 22 minutos. Edición 12/12. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Adquirido con fondos aportados por los miembros del Comité Internacional del Director y del Comité Ejecutivo: Tiqui Atencio Demirdjian, Christina Baker, Edythe Broad, Janna Bullock, Rita Rovelli Caltagirone, Dimitris Daskalopoulos, Harry David, Caryl Englander, Shirley Fiterman, Laurence Graff, Nicki Harris, Dakis Joannou, Rachel Lehmann, Linda Macklowe, Peter Norton, Tonino Perna, Inga Rubenstein, Simonetta Seragnoli, Cathie Shriro, Ginny Williams y Elliot Wolk, y por los miembros patrocinadores: Linda Fischbach, Beatrice Habermann y Cargill y Donna MacMillan

La naturaleza de la identidad en Slater Bradley
Trilogía Doppelgänger , 2001–04 es una instalación de Slater Bradley compuesta por tres proyecciones de vídeo de grandes dimensiones de apenas tres minutos de duración cada uno que presentan una actuación que parece sacada de un archivo de imágenes degradadas para el recuerdo: una es de Ian Curtis, vocalista del grupo post-punk “Joy Division”; otra es de Kurt Cobain, cantante y guitarrista del grupo grunge “Nirvana”; y la tercera es de la superestrella internacional Michael Jackson. Estos tres héroes de la cultura pop han desaparecido dramáticamente de la luz pública: Curtis y Cobain se suicidaron, y la carrera de Jackson se ha visto gravemente perjudicada por el escándalo. Bradley decide retratar cada figura en un estilo determinado y, en consecuencia, da un título individual a cada vídeo.

Aunque estas actuaciones parecen auténticas, ninguno de los vídeos es lo que parece. Todos han sido dirigidos por Bradley y protagonizados por su doble o doppelgänger —vocablo alemán para el doble fantasmagórico de una persona viva—, Benjamin Brock, que colabora con el artista desde 1999. Aquí, la aparición del doppelgänger de Bradley, representando los papeles de Curtis, Cobain y Jackson, incita a cuestionar la naturaleza de la identidad y el espacio entre la realidad y la ficción, entre la vida y la muerte.

Ryan Trecartin. Yo-ser área (I-Be Area), 2007. Vídeo en color, con sonido, 108 minutos. Edición 8/8. Solomon R. Guggemheim Museum, Nueva York. Adquirida con fondos aportados por dimitris Daskalopoulos y Bill y Charlotte Ford. Vista de la instalación en la Elizabeth Dee Gallery, Nueva York, 2007

Cao Fei refleja la vida cotidiana en la nueva China
En Utopía de quién , una instalación de vídeo de veinte minutos de duración realizada en el año 2006, la artista china Cao Fei presenta a los trabajadores de una fábrica de bombillas que dejan a un lado su realidad cotidiana como operarios para interpretar un ballet industrial elegantemente coreografiado mientras, la cadena de producción de la fábrica sigue su ritmo, imperturbable y ajena a lo que está sucediendo.

Utopia de quién fue filmada en la fábrica de bombillas Osram de la próspera región del delta del río Perla, en el sur de China. El vídeo se centra en la vida laboral y en los sueños y esperanzas de los empleados de la fábrica. Todos los actores que aparecen son auténticos empleados de la fábrica, que colaboraron estrechamente en la coreografía y orquestación del vídeo. Mientras los actoresoperarios interpretan sus sueños, la cadena de montaje sigue su curso, reflejo del modo en que los deseos y las expectativas de la población china van cambiando con la inexorable marcha del país hacia la modernidad.

Isaac Julien. Paraíso Omeros (Paradise Omeros), 2002. Proyección de vídeo en color con tres canales con sonido, 20 minutos y 29 segundos. Edición 1/4. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Donación de la The Bohen Foundation. Vista de la instalación en The Bohen Foundation, Nueva York, 2003. Fotografía de Larry Lame

Ryan Trecartin y su exuberante visión del mundo
El vídeo Yo-ser área, 2007 es una creación del artista Ryan Trecartin, residente en Filadelfia. La película presenta un mundo poblado de personajes extrovertidos y vehementes, interpretados por el propio Trecartin y varios de sus amigos y familiares. En el transcurso de una narrativa fortuita con duración de largometraje, estas figuras hacen cabriolas por caóticos escenarios, declamando extravagantes afirmaciones que oscilan entre ilógicas e irracionales hasta profundas y filosóficas. El energético mundo habitado por estos personajes cubre todas las facetas de las artes: la pintura, la escultura, la instalación y la performance. La película abarca desde el tipo de comedia adolescente trivial que puede encontrarse en Internet, con trajes y atrezzo improvisados y una estética digital amateur, hasta un enfoque influido por cineastas de renombre como Kenneth Anger, Jack Smith y John Waters. Sin embargo, a diferencia de sus predecesores, Trecartin arrastra a su audiencia a la realidad virtual que crea utilizando objetos esculturales e instalaciones especiales, como la que se puede ver aquí, la cual evoca una atmósfera doméstica similar a la que se muestra en la pantalla.

Con el tiempo, se hace evidente lo fina que es la línea que separa el mundo de Trecartin y el nuestro.

La fascinación por el cuerpo femenino de Mika Rottenberg
La instalación de vídeo Masa, 2006 de Mika Rottenberg, artista nacida en Buenos Aires pero afincada en Estados Unidos, muestra a una serie de mujeres trabajando en un claustrofóbico espacio interior. Amasan, moldean, manosean y depositan montones de una materia pegajosa en una cadena de montaje de varios pisos de altura. Las mujeres parecen caricaturas sacadas de un libro de ilustraciones. Una, enormemente obesa, está sentada encorsetadamente en un espacio minúsculo.

Otra es insólitamente delgada, con dedos largos y huesudos que no se diferencian demasiado del largo filamento de masa que la mujer introduce en la línea de producción. Todas las mujeres trabajan aisladamente, sin contacto con las demás. Llega un momento en que la mujer obesa huele unas flores, sufre una reacción alérgica que le hace llorar y sus lágrimas se convierten en el catalizador que hace subir la masa. Su sufrimiento es una parte integral del proceso, que finaliza con el envasado al vacío del producto, listo para el consumo de masas.

Rottenberg encontró a todas las mujeres que aparecen en el vídeo a través de Internet y de un anuncio que publicó en el New York Post , pidiendo operarias de fábrica interesadas en actuar. Las mujeres no llegaron a conocerse entre sí, puesto que cada habitación era un plató individual que la artista creó por separado en su estudio. Sus actuaciones abordan no sólo las teorías del trabajo y del exceso de material, sino también el poderoso papel de la fantasía y el deseo en la cultura contemporánea.

Isaac Julien reflexiona sobre la inmigración Isaac Julien, artista afincado en Londres, es el autor del tríptico en vídeo Paraíso Omeros, 2002, de una duración de 20 minutos. Ambientada en la isla caribeña de Santa Lucía y en Londres, la película está parcialmente basada en el poema épico Omeros del escritor caribeño Derek Walcott, ganador del premio Nobel de literatura, que colaboró con el artista en el texto.

La trama elíptica del vídeo sigue la trayectoria de Aquiles, un camarero de Santa Lucía que se traslada a los barrios pobres del extrarradio londinense. Junto a esta narrativa básica, Julien aborda cuestiones referentes a la raza, la clase, la cultura, el deseo y la memoria, explorando la experiencia del ser “criollo”. Paraíso Omeros examina el impacto psicológico de la colonización, la inmigración, la globalización y las políticas de representación. A lo largo del vídeo, Julien emplea imágenes recurrentes del mar para incitar al espectador a realizar una reflexión poética de las ideas sobre el yo y los otros, la guerra y la paz, el amor y el odio. La alternancia entre la dramatización dinámica y las secuencias oníricas parecen simbolizar la búsqueda de una “nueva vida” y la promesa de Occidente.

Mariko Mori. Giza, Egypt, captura de vídeo de Link, parte de la serieThe Beginning of the End, 1995-2006. Link, 1995-2000. Video en color de cuatro canales, con sonido, 9 minutos, 15 segundos. Edición 2/2. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Adquirido con fondos aportados por los miembros del Comité Internacional del Director y del Comité Ejecutivo. Imagen cortesía de la Galerie Emmanuelle Perrotin, Paris, y Albion Gallery

El espacio utópico de Mariko Mori
La artista japonesa residente en Nueva York Mariko Mori es la creadora de la instalación Conexión conformada por cuatro vídeos interconectados proyectados en una estructura circular, concebida para dar cabida cada vez a diez espectadores. Cada vídeo muestra una imagen de Mori acostada e inmóvil en una “cápsula corporal” de plexiglás transparente, que fue un elemento recurrente de su obra de los años noventa. La artista aparece dentro de una serie de paisajes distintos de todo el mundo que representan el presente (incluyendo Hong Kong, Nueva York y el distrito Shibuya de Tokio), el futuro (Shanghai y el barrio de La Défense de París) y el pasado (emplazamientos icónicos de Perú, Camboya, México y Egipto), como si su cuerpo inerte traspasara las fronteras del tiempo y el espacio. En Conexión se encuentran los principales temas que han preocupado a Mori desde que emerge como artista a principios de los noventa, la idea de los ciberorganismos, el uso de antiguos sistemas espirituales en la vida contemporánea, y la creación arquitectónica como espacio para la contemplación.

Del 3 de marzo de 2009 a marzo de 2010
Comisario: Nat Trotman
Ubicación: Salas 103 A y 105

Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2
48001 Bilbao
www.guggenheim-bilbao.es

Fuente: Departamento de Comunicación Guggenheim Bilbao