El Centro Huarte acoge una amplia retrospectiva en vídeo sobre la performance

Esta es la primera oportunidad de ver en España algunas acciones de artistas como Faith Wilding, Marina Abramovic o Yoko Ono

Una amplia retrospectiva sobre la performance y la utilización del cuerpo como material de trabajo artístico constituye la propuesta de I AM MAKING ART la exhibición que se puede contemplar en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo del 1 de noviembre de 2008 al 1 de febrero de 2009, dentro de su propuesta expositiva de otoño-invierno. La exposición permite redescubrir las acciones de artistas Como Marina Abramovic, Vito Acconci, Fabrice Gygi, Sigalit Landau, Grace Ndiritu, Hayley Newman, Yoko Ono, Adrian Piper y Salla Tykkä, que en su momento fueron grabadas. La iniciativa, que plantea una reflexión sobre la identidad y la individualidad, comprende igualmente conferencias y actividades relacionadas. Esta es la primera oportunidad de ver en España muchas de estas acciones que han marcado la evolución de un arte que gracias a la utilización de medios de reproducción ha dejado de ser efímero. La exposición ha sido producida por el Centre d’Art Contemporain Genève y está comisariada por Katya Garcia-Anton, directora del citado Centro.
Su exhibición se organiza en dos bloques, el primero se expondrá en el Centro Huarte del 1 de noviembre al 14 de diciembre y está a su vez organizado en dos capítulos: “Ritual, Transgresión, Resistencia, Riesgo” y “Proceso, Duración, Repetición”.

Fotografía: Raúl Goñi

La segunda parte se iniciará el 16 de diciembre y se extenderá hasta el 1 de febrero con los capítulos: “Identidad y Transformación” y “Feminismo”.
El título I AM MAKING ART deriva de un video work de John Baldessari (1971), en el que se refiere en tono humorístico al trabajo de los artistas que, a finales de los sesenta y principios de los setenta, exploraron el uso de sus propios cuerpos y gestos como medio artístico. La exposición comprende una amplia selección de estas obras históricas, y las yuxtapone con otras más recientes. Atado o maltratado, desnudo o cubierto de pintura, inmóvil o espasmódico, el cuerpo está presente en todas las situaciones posibles. Los artistas «viven» su arte, prolongan la larga tradición del autorretrato y emplean el cuerpo para alterar las normas aceptadas de la identidad.

Cuatro estudios, divididos en dos bloques
Este proyecto se compone de cuatro estudios o capítulos temáticos, que se expondrán en de dos en dos. Desde el 1 de noviembre hasta el 14 de enero se podrán contemplar “Ritual, Transgresión, Resistencia, Riesgo”, que trata de romper con los tabús y rechazar los límites psíquicos o morales, y “Proceso, Duración, Repetición”, donde aborda la repetición de acciones simples como medio para infundirles un nuevo significado. El proceso de elaboración de la obra aparece expuesto, y se convierte igualmente en arte.
A partir del 16 de diciembre la exposición se renueva con otros dos estudios. En el tercer capítulo, “Identidad Y Transformación”, los artistas exploran sus relaciones consigo mismo y con el mundo exterior, con los otros, con el espectador, jugando con la máscara, el mostrar y la mirada. Finalmente, nos encontramos con el último capítulo, titulado “Feminismo”, un término que no está tan de moda en estos comienzos del siglo XXI, pero que ha permitido el cambio en un espacio crucial de la actividad artística de los años sesenta y setenta. En esta época, las mujeres artistas tuvieron la oportunidad de encontrar una nueva voz, una manera distinta de creer, que les ofrecía una visibilidad jamás conocida. Desembarazadas de la tradición de una historia patriarcal, estas artistas han ganado la libertad para explorar cuestiones sobre el género y las jerarquías de poder, y de representar completamente el estatus de la mujer, a la vez como artistas y en un contexto social más amplio.

Fotografía: Raúl Goñi

Identidad, cuerpo y “yo”
Los artistas presentes en esta exposición tratan las dudas de identidad en un nivel u otro. En esta época de supuesta globalización, la afirmación de una identidad individual se torna de una especial relevancia. La construcción de nosotros mismos, de nuestra propia identidad tal y como aparece proyectada a través de nuestra presencia física, es una obsesión recurrente para muchos artistas. Quizás, parte de esta fascinación, viene dada por el hecho de que nuestro cuerpo, en un nivel físico, es lo primero que presentamos al mundo. Sin embargo, no podemos controlar nuestra apariencia: somos incapaces de ver nuestro propio cuerpo del modo en que los otros lo perciben. El cuerpo precede al ‘yo’, y este ‘yo’ físico puede no ser más que una representación parcial, incluso una traición, de lo que pensamos ser.

Documentar la performances
Con el desarrollo de la tecnología del vídeo a mediados de los años 60, se presentó para los artistas la posibilidad de realizar grabaciones temporales de sus trabajos que fueran algo más que simples imágenes fotográficas. Esta nueva tecnología floreciente les permitió extender las “dinámicas de confrontación” inherentes a sus prácticas. La década siguiente, que nos conduce a mediados de los años setenta, fue testigo de numerosos cambios sociales y políticos tanto en Estados Unidos como en Europa; la estética de la performance nació en este contexto, en el que los artistas buscaron acercar el arte a la vida, cuando el objeto del arte tradicional parecía tener una relevancia limitada. Más que un simple medio específico, el vídeo se convirtió en un método de trabajo, una herramienta útil que permitía confrontar al público con la presencia más inmediata del artista, y someterle al proceso de elaboración de nuevas formas de obras a menudo provocadoras, poéticas y políticamente comprometidas. Un medio notable para revelar las actividades que tenían lugar en la intimidad del estudio (como en el caso de Bruce Nauman), o dentro de la psique del artista (como Vito Acconci).

Fotografía: Raúl Goñi

Las primeras obras ligadas a la performance, que datan de los años sesenta y setenta, toman una relevancia significativa con el resurgimiento actual de prácticas más estructuradas conceptualmente, ahora que los artistas hacen una mayor referencia a los trabajos de esta época. Sin embargo, un gran número de artistas y de la pionera labor de este periodo nos son conocidos sobre todo a través de escritos y de documentación fotográfica, y con menor frecuencia a través de la experiencia directa de la obra en sí, incluyendo grabaciones en vídeo que están raramente presentes y de las que no subsiste a veces más que el original, particularmente frágil. Como ha señalado la historiadora de arte Kathy O’Dell: “¿Qué conclusión podemos extraer de estas fotografías tomadas en cada performance, teniendo en cuenta que cada imagen no revela, según el modelo de la cámara, más que un 1/15, un 1/30 ó incluso un 1/60 de un segundo de la acción realizada?”. Esto está cambiando y las obras importantes de este periodo son cada vez más accesibles, de nuevo gracias a la evolución tecnológica, que permite restaurar y archivar en formato digital las grabaciones originales.

Fotografía: Raúl Goñi

En los años noventa, se da de nuevo un momento de agitación política y social y la incertidumbre y el malestar se elevan a escala mundial. La performance se convierte de nuevo en un género popular, y el cuerpo en una base elocuente sobre la que trabajar. Con el colapso del boom del mercado durante los años ochenta, y una disminución de los fondos asignados al arte, el carácter efímero de la performance y del vídeo ha recobrado su atractivo. Al igual que en los años setenta, estos medios relativamente recientes ofrecieron a los artistas la libertad de desarrollar formas de expresión que no guardaban relación con la historia precedente de las prácticas artísticas, y les han permitido expresar de una forma más inmediata (e íntima) la angustia y la desorientación individual que parece característica de finales del siglo XX.

Del 1 de noviembre de 2008 al 1 de febrero de 2009

Huarte-Centro de Arte Contemporaneo
C/ Zubiarte, s/n - 31620 Huarte (Navarra) - T.948 361 457
www.centrohuarte.es

Fuente: Prensa Huarte-Centro de Arte Contemporáneo